Золотой век испанской живописи

Испания XVII столетия - одна из сильнейших мировых держав. Ее владения на разных континентах Земли огромны. Ни одна европейская страна не имела таких обширных колоний с колоссальными богатствами. Но почему-то рядовые испанцы от этого не выиграли. Золото и серебро попадало из Испании в кладовые банков Франции и Италии, Англии и Германии. Хозяйство разваливалось, система управления пришла в негодность. Феодализм и монархия привели государство к кризису. Громадные средства уходили на ведение долгих, разорительных войн, на содержание придворных при королевском дворе и церковь. Король, знать и инквизиция безраздельно властвовали на Пиренейском полуострове. Свободомыслие и безбожие подавлялись без пощады.

И все же Испания совсем не та, что была раньше. Отважные мореплаватели и путешественники, уроженцы этой страны, начали осваивать обширный Американский континент. Испанские конкистадоры приходили в заморские страны как захватчики и насильники. Но за морями и океанами открывался и новый мир. Перед пришельцами из Испании возникала панорама иной жизни, иных законов, верований и обычаев. Мир оказался гораздо шире, нежели представлялось раньше. В Испании усваивают гордые мысли о назначении человека, высказанные итальянскими гуманистами эпохи Возрождения, почитают замечательных ученых и мыслителей от англичанина Т. Мора до итальянца Г. Галилея. Именно в этой стране написана бесстрашная и насмешливая книга "Дон-Кихот" М. Сервантеса, в которой в полной мере выразился талант испанского народа.

Действительно, в течение длительного времени искусство и литература развивались здесь очень медленно, так как испанцы вели изнурительную войну с полчищами арабских завоевателей. Только в конце XV века пришельцы были изгнаны. В последующее столетие Испания становится единым централизованным государством, укрепляет и расширяет свои пределы. В конце XVI века наступает время расцвета искусства, литературы и театра - эпоха, которую по праву называют "золотым веком". Она называется так не потому, что жизнь стала идеальной. Сословное неравенство, произвол власти и террор инквизиции - многое обременяло человека той поры. Искусство и литература представляют правдивую картину этой жизни. Живопись Эль Греко, Веласкеса, Сурбарана и Риберы, поэзия Гонгоры, пьесы Лопе де Вега, Тирс о де Молина, Кальдерона и "Дон-Кихот" Сервантеса утверждают величие и значимость человеческой личности.

На рубеже XVI и XVII веков испанская живопись становится явлением мирового порядка. Начало этому положило искусство Эль Греко. Его подлинное имя - Доменико Теотокопули, по национальности он грек, родом с острова Крит. Оказавшись в Испании, которая стала для него второй родиной, художник стал называть себя иначе - Эль Греко. До появления в Толедо живописец жил в Италии и учился у Тициана. Уже в это время он проявил себя замечательным колористом. В 1576 году, когда ему было около 35 лет, Эль Греко приехал в Испанию, став тем неповторимым мастером, индивидуальную манеру которого невозможно спутать с чьей-либо другой.

Эль Греко был глубоко верующим человеком. Но, судя по картинам, его представления о боге отличались своеобразием, поэтому с большим недоверием относилась к нему испанская инквизиция, подозревавшая художника в ереси. Картины Эль Греко нередко похожи на видения и сны. Фигуры словно теряют материальность и вес. Они вытягиваются, причудливо колеблясь, как языки пламени. Его композиции порой напоминают отражения в волнующейся водной поверхности. В них все пребывает в состоянии движения и изменения.

Реализм художника - в умении показать в человеке духовное. Вот, например, картина "Погребение графа Оргаса". Здесь представлены две сцены - одна земная, другая на небесах. В нижней части композиции изображена траурная церемония. Вверху - загробный мир: душа графа Оргаса предстает перед господом богом и царицей небесной. Для Эль Греко нет различия между земным событием и чудесным видением. Поэтому он помещает их на одном холсте. С другой стороны - реальный человек, не святой и не обитатель "царства небесного", изображается художником необыкновенно одухотворенным. Герои Эль Греко всегда таковы - с тонкими лицами, большими и выразительными глазами.

Другим мастером, сыгравшим не менее важную роль в развитии реалистического искусства в Испании, был Франсиско Сурбаран. Используя религиозные сюжеты, художник убедительно представил современную жизнь своей страны. Он был моложе Эль Греко и работал в первые десятилетия XVII века. У Сурбара-на нет ничего похожего на сновидения или мистические видения. Об этом можно судить по таким произведениям мастера, как "Молитва святого Бонавен-туры" или "Отрочество Марии". В картинах Сурбарана святые и ангелы не сверхъестественные существа, а реальные люди. Мастер выбирает в качестве модели обычного человека и изображает простые предметы. Он строит все прочно, плотно и весомо. Натюрморты Сурбарана сурово-торжественны и монументальны. Предметы в них располагаются в строгом порядке, не заслоняя друг друга. В их крепких, пластически совершенных формах ощутима вещественная мощь и значительность.

Хусепе Рибера - современник Сурбарана. Его живопись в чемто близка бесхитростному искусству собрата. Но в ней есть и своеобразие. Он видит в жизни главным образом драматическое. Сурбаран невозмутим и созерцателен, а у Риберы присутствует смятенность и взволнованность. Большая часть произведений художника посвящена теме мученичества. Рибера изображал казни и мучения святых - Варфоломея, Себастьяна, Лаврентия. Он жил в Неаполе, где властвовали испанцы. Здесь шла тяжелая, кровавая борьба за национальное самоопределение. Заговоры и восстания сотрясали город, каратели и палачи действовали в полную силу. Поэтому искусство Риберы столь трагично.

Он часто изображал людей нелегкой жизни и несчастливой судьбы: бродяг, нищих и калек, которые ходили по дорогам Испании и Италии. Обычно художник давал своим простонародным героям какое-нибудь историческое имя. Бедняки и бродяги становились прообразами "Апостола Иакова" или "Диогена". Они пришли в искусство мастера из подлинной жизни.

Одно из совершеннейших созданий Риберы - "Хромоножка",- большой, в натуральную величину, портрет мальчика-калеки. Но художник не хочет, чтобы его обездоленного героя жалели. "Хромоножка" изображен так, что достоин преклонения. Он нищий и просит подаяния, но в сочувствии не нуждается и смотрит прямо, смело, открыто. В этом характере проявляется чисто испанская гордость простолюдина, презирающего судьбу, которая оказалась к нему безжалостна.

Испанское искусство много -планово. В нем и одухотворенность Эль Греко, чистота и прямодушие Сурбарана, мятежность и бесстрашие Риберы. Рядом с ними стоит имя живописца, поднявшегося к вершинам мастерства и обладающего глубочайшим пониманием жизни и людей. Речь идет о Диего Веласкесе. Он был придворным живописцем короля Филиппа IV; писал портреты монарха, изображал его детей, приближенных и высшую знать - грандов Испании. Почти сорок лет ему приходилось писать одни и те же лица, да к тому же еще не очень привлекательные. Мало того, придворный художник был обязан по долгу службы соблюдать обязательный тип парадного придворного портрета, где все должно отличаться строгостью и чинностью. Веласкес запечатлевает короля и грандов в церемониальной обстановке, в придворных костюмах, величественных позах. При этом художник применяет богатейший арсенал живописных .средств. Шелк парадных одеяний, сталь доспехов, кружева и драгоценности, ковры и портьеры написаны широкой, свободной кистью. Но богатство драгоценных красок не создает впечатления пестроты. Веласкес - неподражаемый мастер колористического единства, он объединяет цветовую гамму общим тоном. Краски как будто имеют "второй план" и мерцают изнутри. Словно под мазками просвечивает благородное старое серебро.

Король и первые лица в государстве могли быть довольны. В их портретах соблюден этикет, есть величественность и парадность. Веласкес не льстит своим моделям. По сути, они ничтожны, жестоки и бесчеловечны. Художник ничего не скрывает и не приукрашает в их характерах. Король Филипп IV то ли не видел или не хотел видеть, что в портретах Веласкеса он предстает заурядным, бесцветным человеком, живым мертвецом, который умеет соблюсти представительность, но не обладает живым умом, непосредственностью и искренностью чувств.

Когда же Веласкес писал королевских шутов и слуг - обездоленных и презираемых людей, то в их облике подчеркивал человеческое достоинство и духовную значительность натуры. Герои Веласкеса как живые. И не потому, что художник выписывал мельчайшие детали. Его образы убедительны потому, что они противоречивы и сложны, как в жизни. Это относится и к его замечательным детским портретам.

Когда художник писал юных принцев и принцесс - наследников короля Филиппа IV, то за чинной неподвижностью их поз и пышностью нарядов он видел искренность и душевную чистоту.

Величайший колорист, Веласкес использовал обычно немногие краски. Вслед за Эль Греко он выявил живописные возможности, таящиеся в общем жемчужно-сером тоне, в сочетаниях серого с розовым и красным и серого с черным. От этих тонов сам воздух в его полотнах кажется живым и "настоящим". Например, в картине "Менины". Так называли придворных дам, которые прислуживали маленькой принцессе. В этом произведении мастерство живописца проявляется во всем блеске. Веласкес построил сложную, многофигурную композицию. Она решена с такой непринужденностью, будто художник ничего специально не компоновал, а просто подсмотрел сцену в самой жизни. Колористическая гармония кажется естественной и простой, созданной без особого труда.

"Менины" ценны еще и потому, что здесь Веласкес изобразил самого себя. Он стоит перед мольбертом и пишет картину, словно не замечая рядом придворных. У него глаза художника, пытливо вглядывающегося в натуру. Рука мастера с кистью написана стремительными и прозрачными мазками. Набрав на палитру краски, живописец готов нанести на холст быстрый и точный удар.

Историческая картина "Сдача Бреды" написана на современный Веласкесу сюжет. В ходе войны испанской монархии с республиканской Голландией войскам короля Филиппа IV удалось овладеть пограничной крепостью Бреда. Это полотно должно было украсить один из залов королевского дворца в Мадриде, где висели картины других художников, прославлявшие победы испанского оружия.

Веласкес не стал писать пышную парадную композицию. Непредвзято и объективно он показал воинов двух враждебных сторон. Справа рыцарственные, сдержанные, церемонные испанцы, слева - раскованные, непринужденно стоящие, простодушные ополченцы голландского гарнизона. От художника ждали при дворе, что он покажет врагов испанского короля в неприглядном виде: ведь голландцы - бунтовщики и еретики, они отказались от католичества и приняли протестантство, став последователями Лютера - противника папы римского. Однако первый художник короля представил не славную победу испанской короны, а историческую драму, в которой действуют люди разных убеждений и верований. Один этап борьбы испанцы выиграли. Но голландцы не разгромлены, потерпев поражение, они не падают духом. Это заметно по их позам, характеру движений. Впереди новая борьба. Недаром современники Веласкеса метко называли его "художником истины".

Искусство Веласкеса стало вершиной испанской живописи XVII века. В нем сконцентрировались достижения национальной школы: одухотворенность Эль Греко, драматизм Риберы, строгая простота Сурбарана. Живопись Испании, как театр и литература "золотого века", выразила горькую правду о своей стране, ее истории, ощущение захватывающей красоты реального мира и мысль о великом достоинстве человека.

А. Якимович, кандидат искусствоведения

Источник: http://www.artprojekt.ru/